Beste Fernsehsendungen aller Zeiten

Von Alan Sepinwall

Wie erkennt man die allerbeste Serie in einem Medium, das seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs im Handel erhältlich ist? Vor allem, wenn dieses Medium in den neun Jahren zwischen dem Finale von „Breaking Bad“ und seinem Vorgänger „Better Call Saul“ einen radikaleren Wandel erlebt hat als in den über 60 Jahren, die Walter White von Milton Berle trennten? Die aktuelle Peak-TV-Ära beschert uns mehr als 500 Drehbuchsendungen pro Jahr, von denen viele Grenzen sprengen, was die Art und Weise angeht, wie Geschichten erzählt werden und wer sie erzählt. Deshalb haben wir beschlossen, unsere Liste der besten Fernsehsendungen aller Zeiten, die ursprünglich im Jahr 2016 zusammengestellt wurde, zu aktualisieren. Wieder einmal haben wir uns an TV-Stars, Macher und Kritiker gewandt – von Multihyphenats wie Natasha Lyonne, Ben Stiller und Pamela Adlon bis hin zu Schauspielern wie Jon Hamm und Lizzy Caplan sowie die Köpfe hinter Serien wie Akte X, Party Down und Jane the Virgin – um die umfangreiche und komplizierte Geschichte des Fernsehens zu ordnen. (Die vollständige Liste der Wähler finden Sie hier.) Ohne Einschränkungen hinsichtlich Epoche oder Genre haben wir am Ende eine vielseitige Liste erhalten, in der die gesunde Kinderfernsehanstalt Sesame Street einen Platz vor dem unflätigen Western Deadwood landete, während I Love Lucy, ein Moloch aus der Eisenhower-Ära, einen Platz vor ihm landete endete eingeklemmt zwischen zwei Shows, Lost und Arrested Development, die während der ersten Amtszeit von George W. Bush debütierten. Viele Favoriten kehrten zurück und die Top-Show behielt ihre Krone. Aber die Wähler konnten vielen herausragenden Stücken der letzten Jahre nicht widerstehen, darunter einer Tragikomödie mit einem Café im Meerschweinchen-Stil, einer unvorhersehbaren Komödie, die in der Welt des Hip-Hop spielt, und einer rassistisch aufgeladenen Adaption eines unpassenden Comics. Es ist eine verdammt gute Liste.

Das erste von mehreren Film-zu-TV-Projekten auf dieser Liste. Allerdings handelt es sich hierbei eher um ein Spin-off als um eine Adaption, da Jemaine Clement und Taika Waititi in der Serie in den Rollen aufgetreten sind, die sie im Vampir-Rockumentary-Film von 2014 spielten. Die FX-Version verlegt die Handlung von Wellington, Neuseeland, nach Staten Island und konzentriert sich auf drei traditionelle Vampire – den putzenden Kriegerkönig Nandor (Kayvan Novak) und die narzisstischen, sexbesessenen Ehepartner Laszlo (Matt Berry) und Nadja (Natasia Demetriou). Sie teilen sich ein Haus mit dem übermenschlich langweiligen „Energievampir“ Colin Robinson (Mark Proksch) und Nandors frustriertem menschlichen Vertrauten Guillermo (Harvey Guillen). Shadows ist unbeschreiblich schlüpfrig, bemerkenswert albern und teuflisch in der Art und Weise, wie es es schafft, gleichzeitig dumm und klug zu sein.

Vor „The Wire“, vor „The Sopranos“ gab es Oz, den Kanarienvogel in der Kohlenmine, der für die Idee geschriebener Dramen außerhalb des Rundfunknetz-Ökosystems sorgte. Oz wurde vom St. Elsewhere- und Homicide: Life on the Street-Tierarzt Tom Fontana ins Leben gerufen und spielt in einem Hochsicherheitsgefängnis, in dem einige der fiesesten Menschen untergebracht waren, die vorher oder nachher im Fernsehen zu sehen waren. Da waren der sadistische weiße Rassist Vern Schillinger (JK Simmons), der bedrohliche Bandenführer Simon Adebisi (Adewale Akinnuoye-Agbaje), der räuberische Chris Keller (Chris Meloni) und viele mehr. Die Welt von Oz war so bösartig, dass selbst die relativ gütigen Gefangenen – der Zuschauerersatz Tobias Beecher (Lee Tergesen), der schwarze Nationalist Kareem Saïd (Eamonn Walker) oder der Insasse der dritten Generation Miguel Alvarez (Kirk Acevedo) – zu abscheulichen Taten verleitet wurden Zeit. Doch inmitten all des Mordes, der Folter und der psychologischen Kriegsführung war „Oz“ auch ein nachdenkliches, zutiefst experimentelles Drama, das viel über die Spannung zwischen der Bestrafung von Kriminellen und ihrer Rehabilitierung zu sagen hat und darüber, was die Gefangenschaft mit guten und bösen Männern macht.

Sieben Staffeln lang war „The Good Wife“ ein gutes Beispiel dafür, wie höhere kreative Ambitionen in die Formel eines prozeduralen Dramas eines Rundfunksenders geschmuggelt werden können. Als diese Show endete, bauten die Macher Robert und Michelle King ein Spin-off, das auf die fehlenden Einschränkungen des Streaming-Universums zugeschnitten war. Nicht nur, dass Christine Baranskis juristische Grande Dame Diane Lockhart jetzt Worte verwenden durfte, die sie bei „Good Wife“ nie sagen durfte, sondern „The Good Fight“ könnte sich stilistisch und inhaltlich auch an viel seltsamere und ehrgeizigere Orte begeben, da Diane bei „Good Wife“ landete Er war in einer schwarzen Anwaltskanzlei tätig und hatte auch Mühe, die Surrealität des Lebens unter Präsident Trump zu akzeptieren. Einige Kreative profitieren davon, mit einer gewissen Einschränkung zu arbeiten, aber die Entfesselung der Kings hat ihr kreatives Bestes gegeben.

Die Verfilmung von Neil Simons Stück aus dem Jahr 1968 über ein ungleiches Paar geschiedener Freunde mittleren Alters, die sich eine Wohnung teilen, war ein beliebter, Oscar-nominierter Kassenschlager. Doch die Sitcom-Adaption, die zwei Jahre später uraufgeführt wurde, hat wohl einen größeren kulturellen Fußabdruck hinterlassen als der Film oder die vielen, vielen Produktionen des Stücks. So göttlich waren Tony Randall und Jack Klugman als der anal-zurückhaltende Fotograf Felix Unger (in vielerlei Hinsicht der Prototyp für Sheldon in „The Big Bang Theory“) und der schlampige Sportjournalist Oscar Madison zusammen. Die beiden waren so großartig zusammen, dass ihre Persönlichkeiten nicht nur einen Großteil des „Odd Couple“-Erbes übernahmen, sondern auch von anderen Serien, die sich kurz damit überschnitten. Es ist beispielsweise unmöglich, an die klassische Spielshow „Password“ zu denken, ohne zuerst daran zu denken, dass Felix und Oscar gemeinsam gegeneinander antreten und über Felix‘ Versuch streiten, „Aristophanes“ als Hinweis für „Vogel“ zu verwenden. Oder jemand anderen über die Gefahren des Annehmens sprechen zu hören, ohne Felix dabei zuzusehen, wie er diese Lektion im Gerichtssaal erteilt.

Rick Sanchez ist ein verrückter Wissenschaftler, dessen viele Erfindungen es ihm ermöglichen, überall hinzugehen und alles zu tun, vom Besuch paralleler Realitäten bis hin zur Verwandlung in einen sprechenden Essiggurken, um einer Familientherapie zu entgehen. Der Zeichentrickfilm „Rick and Morty“, kreiert von Justin Roiland (der die Titelcharaktere spricht) und Dan Harmon von „Community“, scheint ebenfalls grenzenlos zu sein – nicht nur, wie ekelhaft und bizarr einzelne Abenteuer sein können, sondern auch, wie leicht sich die Serie umschalten lässt Von der Feier von Ricks unaufhaltsamer Brillanz bis hin zum Hinweis darauf, was für ein giftiger, emotional missbräuchlicher Idiot Rick für seinen Enkel und alle anderen sein kann, die das Pech haben, ihm über den Weg zu laufen.

Squid Game, die neueste Show auf dieser Liste und die einzige nicht-englischsprachige, ist ein Symbol dafür, wie die Streaming-Ära die Grenzen von Inhalten aufgehoben hat, sodass Ihre neue Obsession genauso gut ein israelisches Drama über einen orthodoxen jüdischen Mann sein kann, der verliebt sich in eine Witwe, da es sich um die neueste Disney+ Marvel-Serie handeln könnte. Aber über das hinaus, was es für das Fernsehgeschäft darstellt, ist „Squid Game“, in dem eine Gruppe finanziell verzweifelter Südkoreaner in einer tödlichen Reihe von Kinderspielplatz-Wettbewerben um einen riesigen Geldpreis gegeneinander antritt, ein packender Thriller, ein rücksichtsloser sozioökonomischer Thriller Satire und ein großartiges Schaufenster für Schauspieler wie den Emmy-Gewinner Lee Jung-jae.

NewsRadio, das rothaarige Stiefkind der Must-See-TV-Ära, wurde scheinbar an jedem Abend der Woche außer donnerstags ausgestrahlt, auch wenn die stärksten Momente der Arbeitsplatz-Sitcom ihr einen Platz in der All-Star-Reihe von NBC neben gefeierten Serien wie Seinfeld oder … eingebracht hätten Freunde. An dieser Show war alles etwas amüsant daneben. Das Kreativteam beschloss beispielsweise, den besorgten Sendermanager Dave (Dave Foley) und die selbstbewusste Reporterin Lisa (Maura Tierney) in der zweiten Folge einfach Sex haben zu lassen, anstatt die romantische Spannung auf eine für die Komödie der 90er Jahre typische Art zu steigern. Geschichten könnten aus den seltsamsten Ideen entstehen, wie zum Beispiel, dass der arrogante Nachrichtensprecher Bill (Phil Hartman) süchtig nach den widerlichen Sandwiches im Büroautomaten wird, oder der exzentrische Senderbesitzer Jimmy James (Stephen Root), der seine Memoiren vom Englischen ins Japanische übersetzen lässt und dann zurück ins Englische, so dass es plötzlich den Titel Jimmy James: Macho Business Donkey Wrestler trug. Die fünfte und letzte Staffel, die nach der Ermordung von Hartman produziert wurde, verläuft holprig, und es kann jetzt schwierig sein, sich Szenen mit Joe Rogan als Elektriker des Senders anzusehen, ohne darüber nachzudenken, wer und was aus Rogan geworden ist. Aber die Serie als Ganzes hat so viel mehr verdient, als sie von einem Sender bekommen hat, der nie zu schätzen schien, was in der Schöpfung von Paul Simms steckte.

Früher gab es in der Hauptsendezeit ebenso viele Private-Detektiv-Dramen wie Kriminalfilme, Krankenhausserien und Western. Das mit Abstand beste und lebhafteste Beispiel des gesamten Genres war der übernatürlich entspannte James Garner als Jim Rockford, ein Detektiv mit niedriger Miete, der in einem Wohnwagen am Strand von Malibu lebt und für jeden arbeitet, der seinen Lohn von 200 Dollar pro Tag plus Spesen zahlt , und alle 10 Minuten bekommt er wegen seines schlauen Mundwerks einen Schlag in den Bauch. Neben seiner überwältigenden Sympathie repräsentiert „Rockford“ auch einen Querschnitt der TV-Drama-Geschichte. Einer seiner Schöpfer war Roy Huggins, der Mann, der für Klassiker der Fünfziger und Sechziger wie Maverick (ebenfalls mit Garner in der Hauptrolle) und The Fugitive verantwortlich war. Der andere war Stephen J. Cannell, der auf dem Rücken einer Flut von Hits aus den Siebzigern und Achtzigern wie diesem, „The A-Team“ und „21 Jump Street“ einer der ersten prominenten Showrunner werden sollte. Und innerhalb weniger Staffeln begann die Serie, den Autor David Chase zu engagieren, der später „The Sopranos“ schuf.

Die Varieté-Show, einst eines der erfolgreichsten Genres des Fernsehens, befand sich Mitte der 1970er-Jahre in den letzten Zügen. (Die verdientermaßen kurzlebige Varieté-Fortsetzung von „The Brady Bunch“ kam ebenfalls 1976 auf den Markt.) Jim Henson und seine Freunde gaben dem Format jedoch durch zwei Entscheidungen einen letzten, glorreichen Aufschwung. Die erste bestand darin, sich um Kermit den Frosch und brandneue Muppet-Kreationen wie den unfähigen Komiker Fozzie Bear und die egoistische, gewalttätige Miss Piggy zu drehen; Allein die Muppets als Darsteller gaben all den bekannten Showmelodien und Comedy-Stücken das Gefühl, als wäre alles Alte wieder neu. Der zweite und entscheidendere Punkt bestand darin, den Fokus zwischen den Auftritten und dem Chaos hinter der Bühne aufzuteilen, als Kermit versuchte, mit verrückten Muppets wie Gonzo dem Großen fertig zu werden und gleichzeitig prominente Gäste wie Bernadette Peters und Mark Hamill zu besänftigen. Das sensationellste, feierlichste und muppetatorischste Henson-Projekt von allen.

Johnny Carson war der dritte von sechs Moderatoren, die bisher am Schreibtisch der Tonight Show saßen. Aber bei allem Respekt vor Steve Allen, Jack Paar, Jay Leno, Conan O'Brien und jetzt Jimmy Fallon ist Johnnys 30-jährige Amtszeit eine eigenständige Einheit. Seine coole, distanzierte und selbstironische Art – nach einem Scherzbombenanschlag war er normalerweise lustiger als wenn er die erfolgreicheren Pointen lieferte – sorgte dafür, dass „Tonight“ ungeachtet der Erfolge von NBC in der Hauptsendezeit zu sehen war. Als platonisches Ideal des Late-Night-Talkshow-Formats sticht die Zeit in den frühen Siebzigern hervor, als die Show gerade von New York nach Los Angeles umgezogen war. Stammgäste auf der A-Liste wie Burt Reynolds fühlten sich mit Johnny so wohl, dass es sich anfühlte, als würde das Publikum Gespräche belauschen, von denen die Teilnehmer nicht wussten, dass sie gefilmt wurden. Johnnys Rücktritt war der Anfang vom Ende der Monokultur, da sich das Publikum schnell zwischen Team Dave, Team Jay und Team Arsenio aufteilte, als es niemandem gelungen war, Carsons eigene Vormachtstellung auch nur annähernd herauszufordern.

Das größte Boomer-Nostalgie-Projekt von allen, bevor die Boomer-Nostalgie die ganze Welt zu überwältigen drohte. Ein junger Fred Savage spielte Kevin Arnold, einen naiven Vorstadtjungen, der im selben Moment, als Amerika die Turbulenzen der späten Sechziger und frühen Siebziger durchlebte, den Spießrutenlauf der Pubertät durchlebte. „The Wonder Years“ war zu gleichen Teilen schaumig und traurig, begleitet von einer Pilotfolge, in der Kevins langjährige Freundin (und häufige Schwärmerin) Winnie Cooper (Danica McKellar) erfährt, dass ihr Bruder Brian in Vietnam gestorben ist, und einem Finale, in dem der erwachsene Kevin (die Stimme von Daniel Stern) erzählt uns, dass Kevins Vater (Dan Lauria) nicht lange nach den Ereignissen der Serie sterben wird. Der unschuldige Hauch der Show war ansteckend, und das wurde durch die aktuelle Neuauflage (die eine Zeit lang von Savage produziert wurde, bevor ihn Kollegen der Show der sexuellen Belästigung und Körperverletzung beschuldigten) gekonnt eingefangen und konzentriert sich auf eine schwarze Familie im Süden derselben Ära, mit einer kurzen, aber starken Verbindung zum Original.

In der TV-Saison 1973/74 präsentierte CBS den wohl besten Fernsehprogrammabend aller Zeiten mit fünf Comedy-Sendungen am Samstag – „All in the Family“, „M*A*S*H“, „The Mary Tyler Moore Show“ und „The Bob“. Newhart Show und The Carol Burnett Show – das war alles Killer, kein Füller. Spoiler: Alle fünf Shows stehen auf dieser Liste, beginnend mit der Sketch-Serie, die den Abend stimmungsvoll abrunden würde. Carol Burnett war in den sechziger Jahren größtenteils eine feste Größe in Varieté-Shows und Sitcoms, vor allem durch ihre Zusammenarbeit mit ihrer Freundin Julie Andrews, aber ihre Talente wurden erst dann voll entfaltet, als sie ihre eigene Serie bekam, in der sie Filme parodieren konnte (wie „ in der berühmten „Vom Winde verweht“-Parodie mit einem Kleid, aus dem eine Gardinenstange herausragt) oder im Fernsehen (die wiederkehrende gefälschte Seifenoper „As the Stomach Turns“), probieren Sie Akzente aus, singen Sie und spielen Sie sogar gekonnt die heterosexuelle Frau für Co-Stars wie Vicky Lawrence, Harvey Korman und Tim Conway. Die komische Energie der Serie war so stark, dass sie bald wegen der Momente, in denen sich die Schauspieler mitten im Sketch gegenseitig ausrasteten, ebenso beliebt wurde wie wegen der Szenen, die abliefen, ohne dass irgendjemand die Rolle aufgab. Am Ende jeder Episode zupfte Burnett an ihrem Ohr – ein heimliches Signal an ihre geliebte Großmutter, das ihr Publikum auch dazu anwies, dankbar zu sein, dass sie gerade drei Stunden damit verbracht hatten, einige der besten Comedy-Shows aller Zeiten auf einem kleinen Bildschirm anzusehen.

In den Jahren vor dieser Dramatisierung der Regierungszeit von Königin Elizabeth II. hatte Peter Morgan eine Reihe von Filmen (insbesondere „The Queen“ aus dem Jahr 2006) über die königliche Familie und/oder britische Premierminister geschrieben. Mit „The Crown“ tauchte Morgan tief in seine Lieblingsthemen ein, besetzte mehrere Schauspielerinnen (Claire Foy, dann Olivia Colman und bald Imelda Staunton) für die Rolle der Elizabeth in verschiedenen Altersstufen und schilderte ihre komplizierten Beziehungen zu verschiedenen Premierministern (insbesondere Foy gegenüber). John Lithgows Winston Churchill und Colman neben Gillian Andersons Margaret Thatcher). Morgan hat auch in den vielen Fällen, in denen Ihre Königliche Hoheit das Gefühl hatte, die besten Interessen der Monarchie über die besten Bedürfnisse ihres Mannes Philip (Matt Smith, dann Tobias Menzies und bald Jonathan Pryce), ihrer Schwester, stellen zu müssen, ein reiches dramatisches Terrain abgebaut Unter anderem Margaret (Vanessa Kirby, Helena Bonham Carter, Lesley Manville) und ihr Sohn Charles (gespielt in den letzten Staffeln von Josh O'Connor, wobei Dominic West kurz vor der Übernahme steht). Die Krone bewegt sich auf einem schmalen Grat – der nach dem kürzlichen Tod der echten Königin Elizabeth vielleicht noch enger geworden ist – zwischen der Kritik an der Natur des Königtums und dem Gefühl großer Sympathie für die Menschen, die innerhalb der engen Zwänge der Familie leben.

Thirty Helens stimmen zu: Mit Entschuldigung an die Barenaked Ladies, dieser Sketch-Comedy-Prüfstein der Generation X war das Beste, was in den späten Achtzigern und frühen Neunzigern aus Kanada kam. Dave Foley, Bruce McCulloch, Kevin McDonald, Mark McKinney und Scott Thompson hatten die Gabe, aus Prämissen, die auf der Seite völlig zusammenhangslos klingen, riesige Lacher zu entlocken. Ein verbitterter Mann, der in einem Klappstuhl auf dem Bürgersteig sitzt und so tut, als würde er den Menschen in der Ferne die Köpfe zertreten? Eine einsame, sexbesessene halbe Henne? Ein Mann, dessen Weigerung, sich im Urlaub den Bart zu rasieren, sein Leben zu ruinieren droht? Nichts davon sollte lustig sein. Irgendwie ist das alles so, einschließlich der diesjährigen Wiederaufnahme, die den Neuheiten-Hit „Brand-New Key“ aus den Siebzigern in den Köpfen aller verankerte, die das Glück hatten, ihn zu sehen.

Der heterosexuelle Mann in einer Komödie zu sein, kann eine undankbare Rolle sein. Bob Newhart baute jedoch eine ganze Karriere darauf auf, das Publikum als der einzige vernünftige Mann in einer verrückten Welt zum Lachen zu bringen. Sein erstes und bestes Sitcom-Vehikel (obwohl sein Achtzigerjahre-Hit „Newhart“ seinen Reiz hatte) nahm dieses Konzept nicht ganz wörtlich, aber es kam ihm nahe. Newhart spielte Dr. Bob Hartley, einen Chicagoer Psychologen mit einer Liste exzentrischer Patienten, eine sarkastische, aber liebevolle Ehefrau in Suzanne Pleshettes „Emily“ und ein Leben, das insgesamt darauf ausgelegt zu sein schien, Bob aus seiner winzigen Komfortzone herauszuholen. Klug, raffiniert und verdammt lustig.

Die erste Sendung, die darauf hindeutet, dass das Streaming-Zeitalter Platz für die Art von Charakteren und Geschichten schaffen könnte, für die das Fernsehen keinen Platz hatte, selbst in den aufregenden Jahren nach Sopranos im Kabelfernsehen. Orange begann damit, dass Taylor Schillings nerviger Film mit dem Titel „Piper“ ins Bundesgefängnis geschickt wurde, wo sie zunächst Angst vor all den schwarzen, braunen und/oder Frauen aus der Unterschicht hatte, die sie dort traf. Doch schnell öffnete die von Jenji Kohan geschaffene Serie sowohl Piper als auch dem Publikum die Augen für die Tatsache, dass ihre Mithäftlinge – die psychisch kranke Suzanne (Uzo Aduba), die Transfriseurin Sophia (Laverne Cox), die Witzboldsüchtige Nikki (Natasha Lyonne) , die mütterliche Gloria (Selenis Levya), die nach Gerechtigkeit strebende Taystee (Danielle Brooks) und viele mehr – waren komplizierte Menschen mit interessanten eigenen Geschichten. (Die meisten von ihnen waren, ehrlich gesagt, viel interessanter als die von Piper, aber selbst die Autoren schienen das zu verstehen.) „Orange“ vollzog große kreative Umbrüche, die nicht immer zusammenpassten, aber viele unglaubliche Momente brachten und dem Fernsehen enorme neue Möglichkeiten eröffneten als Ganzes.

Warum sollte jemand das tun wollen? Wer würde es irgendwie für eine kluge oder nützliche Idee halten, Fargo, einen Oscar-Gewinner für das beste Drehbuch und vielleicht den beliebtesten Film eines der eigenwilligsten Filmemacherteams aller Zeiten, Joel und Ethan Coen, zu nehmen und zu versuchen, sich umzudrehen? daraus eine TV-Show? Irgendwie hat es aber funktioniert. Die Meisterleistung von Noah Hawleys fortlaufender Anthologie besteht darin, dass es sich nicht um ein Remake oder Reboot des Films handelt, sondern um eine Art Remix der Coen-Brüder, der im selben fiktiven Universum spielt wie die Abenteuer der schwangeren Minnesota-Polizistin Marge Gunderson und voller Anspielungen auf andere ist Coen filmt, erzählt aber seine eigenen Geschichten. Es gibt Charaktere, die an die Coens erinnern sollen, allen voran Allison Tolmans hartnäckige Ermittlerin Molly Solverson in der ersten Staffel und Schauspieler wie Billy Bob Thornton und Michael Stuhlbarg, die in einem oder mehreren Coen-Filmen mitgewirkt haben. Hawley hat es jedoch vor allem geschafft (besonders in den ersten beiden Staffeln), etwas vom Geist dieser Filme einzufangen und der TV-Serie letztendlich das Gefühl zu geben, dass sie etwas Eigenes und Unkonventionelles ist, sowie ein fantastisches Schaufenster für die Schauspieler wie Tolman, Patrick Wilson, Kirsten Dunst, Ted Danson, Bokeem Woodbine, Carrie Coon, Mary Elizabeth Winstead, David Thewlis, Glynn Turman und mehr.

Steve Coogan spielt seit über 30 Jahren Alan Partridge – einen widerwärtigen, sozial inkompetenten, unsicheren Radio- und Fernsehmoderator, der völlig leugnet, wie gering seine Berühmtheit ist – im Radio, im Fernsehen, in Filmen, Podcasts und sogar live Bühnenshows. Es ist nicht schwer zu verstehen, warum der englische Schauspieler diese Rolle zu seiner Lebensrolle gemacht hat, besonders wenn man sich „Ich bin Alan Partridge“ anschaut. Nachdem Alan am Ende seiner vorherigen Serie (der Talkshow-Parodie „Knowing Me, Knowing You“) seine Karriere und sein Privatleben ruiniert hat, zieht er sich auf ein spartanisches Leben als lokaler Radiomoderator zurück, der die Friedhofsschicht besetzt und in einer kleinen Wohnung lebt Hotel, dessen Mitarbeiter seiner Sonderwünsche und verzweifelten Versuche, sie besser kennenzulernen, schnell überdrüssig werden, und der darum kämpft, zur BBC zurückzukehren. Coogan und Mitarbeiter wie Armando Iannucci (zukünftiger Schöpfer von Veep) scheuten nicht davor zurück, wie schwierig es war, in der Gesellschaft ihrer Titelfigur zu sein, obwohl sie regelmäßig Einblicke in den großen Entertainer gaben, für den Alan sich selbst hielt, wie er es auch versuchte Spielen Sie die gesamte Eröffnungssequenz von The Spy Who Loved Me.

Was tot ist, stirbt vielleicht nie, aber die meisten TV-Titel, die in den letzten Jahren wiederbelebt wurden, gehörten zu großen Hits, die bei den heutigen Zuschauern immer noch aktuell waren. Warum bringt Starz im Jahr 2023 Party Down zurück, eine Show, deren Zuschauerzahl in einer bestimmten Woche nur fünfstellig sein könnte und die in den zwei Staffeln keine nennenswerten Auszeichnungen erhalten hat? Hat eine Komödie über Kellner, die frustriert darüber sind, dass ihre großen Hollywood-Träume nicht wahr werden, wirklich den gleichen Ruf wie beispielsweise „Akte X“ oder „Will & Grace“? Aber Party Down war in seiner kurzen Existenz einfach so großartig – ein ironisches, geistreiches, gut gemachtes und oft schmutziges Stück Unterhaltung mit einer wunderbaren komischen Verbindung zwischen einem von Adam Scott geleiteten Ensemble –, dass, wenn die Mehrheit der Leute daran beteiligt gewesen wäre Wenn Sie zum ersten Mal bereit sind, sich für weitere Missgeschicke wieder zu vereinen, dann ist es einen Versuch wert. Haben wir schon Spaß?

Der Rekord für die am längsten laufende Live-Action-Sitcom aller Zeiten wurde jahrzehntelang von „The Adventures of Ozzie & Harriet“ gehalten, einer aggressiv gesunden Sitcom, die in den frühen Fünfzigern debütierte und in der eine echte Familie idealisierte Versionen ihrer selbst spielte. Dieser Rekord wurde schließlich vor ein paar Jahren von „Always Sunny“ gebrochen, einer schmuddeligen, unhöflichen, trügerisch brillanten Komödie, die stilistisch und philosophisch in jeder Hinsicht eine solche Abkehr von „Ozzie & Harriet“ darstellt, dass die Familie Nelson bei ihrem Anblick wahrscheinlich alle in Ohnmacht fallen würde. In „Sunny“ spielen Rob McElhenney (der den Film auch erschaffen hat), Glenn Howerton, Charlie Day und Kaitlin Olson die Hauptrollen als vier selbstsüchtige Idioten, die immer wieder mit aktuellen Nachrichtenthemen kollidieren, wobei Danny DeVito als Howertons und Olsons Groteske die Finanzierung und Einmischung übernimmt Vater. Wo die meisten klassischen Sitcoms zum Zeitpunkt der dritten oder vierten Staffel kaum noch Luft haben, hat sich Sunny als so unglaublich langlebig erwiesen, dass es keine Überraschung wäre, irgendwann zu einer Episode mit dem Titel „The Gang Is Eligible to Join AARP“ zu kommen.

Dieses und das andere HBO-Miniserie-Epos „Von der Erde zum Mond“ sind nicht gerade von Tom Hanks produzierte Spin-offs seiner Neunzigerjahre-Klassiker „Der Soldat James Ryan“ bzw. „Apollo 13“. Aber beide deuten darauf hin, dass Hanks erkannte, dass diese Filme nur an der Oberfläche ihrer Themen kratzten, und dass das Fernsehen der beste Ort war, um tiefer in die Materie einzutauchen. Basierend auf dem Sachbuch von Stephen Ambrose folgt „Band“ einer einzelnen Kompanie Luftlandetruppen im Zweiten Weltkrieg, von den unschuldigen Tagen des Trainingslagers über das gewalttätige Chaos am D-Day bis hin zur brutalen Ausdauerherausforderung in der Ardennenoffensive Weg zum Sieg auf dem europäischen Kriegsschauplatz. Und obwohl sich viele Gesichter verändern, wenn Soldaten sterben und naive Ersatzkräfte eintreffen, basiert die gesamte zehnstündige Reise auf der Anwesenheit eines jungen Damian Lewis in der Rolle des bescheidenen und beruhigenden Anführers der Easy Company, Dick Winters. Im Jahr 2001 war es die teuerste limitierte Serie, die je hergestellt wurde, und es gibt jede Menge Spektakel, während sich die Männer von Winters durch Frankreich, Holland, Belgien und Deutschland kämpfen. Aber die Teile, die all diese Jahre später noch vorhanden sind, sind die kleinen menschlichen Teile, die die physischen und psychischen Wunden darstellen, die Easy Company auf dem Weg in die Friedenszeit erlitten hat.

Ein Teil des Schocks über Bob Odenkirks Arbeit an „Better Call Saul“ war, dass er so bekannt für seine Comedy war – und insbesondere für die Art von schiefer Alternativkomödie, die er und David Cross in vier episch seltsamen Staffeln schufen. „Mr. Show“ war eine Serie, in der es um Engagement ging, auch wenn die Charaktere in jedem Sketch dazu neigten, sich auf die schlechtesten Ideen einzulassen, wie Cross, der eine vorab aufgezeichnete Call-In-Show moderierte, bei der die Zuschauer ständig Fragen zum Thema der Vorwoche stellten, oder Odenkirk, der spielte ein Gangsterboss, der mit mörderischer Überzeugung glaubt, dass 24 die höchste Zahl ist. Und von Zeit zu Zeit – wie Cross beim Vorsprechen für einen Schauspieljob mit einem Monolog über das Vorsprechen für einen Schauspieljob – zahlen sich diese scheinbar schrecklichen Entscheidungen für alle Beteiligten wunderbar aus.

Als wir unsere Stimmen abgegeben haben, kamen wir nicht umhin, uns zu fragen: Sollten wir die Sensation der Jahrhundertwende für die Sünden ihrer Film-Spinoffs und insbesondere ihrer fehlgeleiteten Fortsetzungsserie „Und einfach so“ bestrafen? Aber „Sex and the City“ ist nicht die einzige Erfolgsserie in der TV-Geschichte – oder sogar die einzige auf dieser Liste –, die unter falsch konzipierten Folgeprojekten leidet. (Netflix-Staffeln von Arrested Development, wir schauen auf Sie.) Und die ursprüngliche Auflage (insbesondere nachdem Michael Patrick King nach der ersten Staffel Darren Star als Showrunner ersetzte) hat mehr als nur Modetrends gesetzt oder unzählige Spiele von „Are you a“ inspiriert Charlotte oder eine Samantha?“ Es war ein witziger und kluger Blick auf vier Frauen zu einem bestimmten Zeitpunkt in ihrem Leben und einer bestimmten Zeit in New York (auch wenn der Querschnitt fast ausschließlich weiß und heterosexuell war), in dem es sowohl um die Herausforderungen der Pflege von Freundschaften ging als auch Es ging darum, den richtigen romantischen Partner herauszufinden. Welche Fehler auch immer später passierten, „Sex and the City“ selbst verdient es immer noch, stolz in seinem höchsten Paar Manolo Blahniks herumzulaufen.

In All in the Family lebten der arrogante George Jefferson (Sherman Hemsley) und seine geduldige Frau Louise (Isabel Sanford) in einem Arbeiterviertel in Queens, direkt neben Archie und Edith Bunker. Gegenüber „Sanford“ und „Family“-Star Carroll O'Connor war Hemsley auf Anhieb so elektrisierend, dass George und „Weezy“ schnell zu ihrer eigenen Sitcom übergingen. Noch besser für George war, dass er weit weg von Archie ziehen konnte, in eine Luxuswohnung im Himmel von Manhattans Upper East Side. Das Spin-off betrat Neuland im Fernsehen, indem es das gemischtrassige Paar Tom (Franklin Cover) und Helen (Roxie Roker) zu den besten Freunden von George und Weezy machte. Und wie in der Vorgängerserie könnte es ernst werden mit Rassenbeziehungen und anderen aktuellen Ereignissen, etwa in einer Episode, in der George versehentlich an einem KKK-Rekrutierungstreffen teilnimmt, oder mit einem Rückblick auf Georges Kampf um einen Kredit von einem voreingenommenen Bankier sein erstes Textilreinigungsgeschäft. Vor allem aber war die Serie eine unerbittliche Lachmaschine, die darauf vertraute, dass jede Kombination aus Hemsley, Sanford und Marla Gibbs (als die messingstarke Zofe der Jeffersons, Florence) zusammen eine komödiantische Magie ergeben würde.

„Du zwingst mich zu ziehen, ich mache dich nieder.“ Diese acht Worte repräsentieren den prägnanten, aber tödlichen Code, nach dem Raylan Givens (Timothy Olyphant) – ein US-Marschall, der widerwillig in die Außenstelle von Kentucky in der Nähe der Gemeinde Harlan County versetzt wurde, von der er gehofft hatte, für immer zu fliehen – sein gewalttätiges, aber äußerst unterhaltsames Leben führt. In Graham Yosts Adaption einer Figur, die in mehreren Romanen von Elmore Leonard vorkommt, fand Raylan Wege, sich selbst zum Richter, Geschworenen und Henker zu machen, indem er Bösewichte in Situationen manövrierte, in denen er tödliche Gewalt gegen sie anwenden würde, na ja ... Sie sehen den Titel der Show hier, oder? Olyphants witziger, aber dennoch verletzlicher Auftritt beherrschte die Leinwand, selbst als Yost und die anderen Autoren eine Armee schillernder Bösewichte auf ihn warfen – vor allem Walton Goggins' schnell redenden Sprengstoffexperten Boyd Crowder. Eine ausgelassene Fahrt vom Anfang bis zum Ende, bei der wir alle das Gefühl hatten, zusammen mit Raylan und Boyd Kohle gegraben zu haben.

Als sich „Cheers“ dem Ende einer der erfolgreichsten Serien aller Sitcoms aller Zeiten näherte, wäre Kelsey Grammers arroganter Psychiater Frasier wahrscheinlich nicht der Wettfavorit für die Hauptrolle in einem möglichen Spin-off gewesen. Aber die Tatsache, dass Frasier nie wirklich in die Bar passte, machte ihn am Ende zum perfekten Kandidaten. (Worum hätte es in einer Norm-zentrierten Show gegangen, wenn er nicht auf seinem Stuhl neben Cliff gesessen hätte?) Stattdessen kehrte Frasier in sein Haus in Seattle zurück, um als Moderator einer Radio-Call-in-Show zu einer kleinen lokalen Berühmtheit zu werden und zu helfen Kümmere dich um seinen entfremdeten und kranken Vater Martin (John Mahoney) und versuche, mit Hilfe seines Produzenten Rob (Peri Gilpin) und Martins Krankenschwester Daphne (Jane Leeves) wieder Kontakt zu seinem noch stärker unterdrückten Bruder Niles (David Hyde Pierce) aufzunehmen. . Es war eine so kraftvolle Mischung aus Charakteren, Schauspielern und komischen Musen – lächerlicher und wortspielerischer als Frasiers Abenteuer damals in Boston –, dass Grammer die Rolle schließlich noch elf Staffeln lang spielte (nach neun bei Cheers). Nicht schlecht, Dr. Crane.

Betrachten Sie die Zahlen rund um die Original-Küchenspülkomödie: Eine Staffel. Neununddreißig Episoden. Vier Charaktere. Ein primäres, extrem beengtes Set. Innerhalb dieser scheinbar engen Grenzen schienen Jackie Gleason (als hitziger Busfahrer Ralph Kramden), Audrey Meadows (Ralphs frustrierte Frau Alice), Art Carney (Ralphs alberner bester Freund Ed Norton) und Joyce Randolph (Eds herrische Frau Trixie) fähig zu sein fast alles zu erreichen. Es war eine umfangreiche, alberne Komödie, die das Studiopublikum in Verwirrung darüber versetzte, wie leicht Ralph getriggert werden konnte oder wie seltsam Ed die Welt sah. (Während einer Golfstunde wurde ihm gesagt, er solle „den Ball ansprechen“, Ed schaut ihn an und sagt fröhlich: „Hallo, Ball!“) Es war auch eine kaum verhüllte Tragödie über eine Ehe zwischen zwei Menschen, die viel mehr von sich selbst erwartet hatten gegenseitig. (Ralphs ständige Drohungen, Alice „zum Mond!“ zu schicken, wirken heute weitaus düsterer als Mitte der Fünfziger.) Es war lächerlich, es war tiefgründig und es war unsterblich – und das nicht nur, weil Gleason und Carney es konnten. Ich werde nicht widerstehen, noch zwei Jahrzehnte lang Ralph und Ed in Sketchen zu spielen. Es gibt einen Grund, warum Gleasons Spitzname „The Great One“ war.

Angesichts der vielen jüngsten Vorwürfe wegen missbräuchlichen Verhaltens gegen seinen Schöpfer Joss Whedon macht es weniger Spaß, darauf zurückzublicken. Aber wenn wir die Kunst vom Künstler trennen können (eine Herausforderung bei mehreren Shows auf dieser Liste), dann ist Whedons Überarbeitung eines Films aus den frühen Neunzigern über einen frechen Highschool-Schüler (hier gespielt von Sarah Michelle Gellar), der insgeheim ein Kämpfer dagegen ist Supernatural Evil ist sowohl eine großartige als auch eine sehr einflussreiche Show. Es trug dazu bei, mehrere Generationen von Teenager- und Fantasy-Dramen zu prägen, und seine selbstbewusste, klischeedurchdringende Sensibilität wurde zum Standardmodus des gesamten Marvel Cinematic Universe. Darüber hinaus bleibt die Verwendung von Kreaturen der Nacht in der Serie als Metaphern für den Aufruhr in der Jugend – Buffy verliert ihre Jungfräulichkeit an Angel (David Boreanaz) und er wird dadurch buchstäblich zu einem seelenlosen Monster – unglaublich wirkungsvoll.

Ist das das beste Spin-off eines Spin-offs? Das kann davon abhängen, ob Sie beispielsweise die Star-Trek-Serien der Neunziger oder die verschiedenen Arrow-Vers-Superheldendramen von CW als Spin-offs oder als Einträge in einem größeren Franchise einstufen. Wie auch immer, Good Times – ein Spin-Off von Maude, der bereits ein Spin-Off von All in the Family war – hat ein gutes Argument für den Titel. Esther Rolle und John Amos spielten Florida und James Evans, Ehepartner, die ihr Bestes geben, um ihre Kinder gut zu erziehen und sie zu schützen, während sie in einem Wohnprojekt in Chicago leben. Amos und dann Rolle verließen schließlich die Serie, frustriert darüber, dass ihre Charaktere zugunsten der breiten Eskapaden von Co-Star Jimmie Walker als ältester Sohn JJ an den Rand gedrängt worden waren. Aber „Good Times“ schaffte es, rund um alle Ausreden reichlich nachdenkliche, themenorientierte Komödie zu bieten Walker ruft sein „Dyn-o-mite!“ Schlagwort, darunter eine klassische Episode, in der der jüngste Sohn Michael (Ralph Carter) herausfindet, dass der IQ-Test seiner Schule rassistisch voreingenommen ist, oder eine andere, in der die Familie Evans erkennt, dass ihre Nachbarin Penny (eine sehr junge Janet Jackson) von ihrer Mutter körperlich misshandelt wird.

Die 2010er Jahre waren das Jahrzehnt der Autoren-Dramedy: halbstündige Shows, in denen eine Person mehrere Rollen als Schöpfer, Autor, Regisseur und Star trug und in denen sich der Ton und sogar das Genre von Episode zu Episode ändern konnten. Zu den besten davon gehörte „Better Things“, ein leicht autobiografisches Vehikel für Pamela Adlon (die es zusammen mit Louis CK erschuf, bevor er wegen seiner Misshandlung von Frauen ging), inspiriert von ihrem Leben als leicht erkennbare Schauspielerin, die drei Kinder großzog ihr eigenes. Adlon und Co beherrschten ihre Welt und ihre Charaktere so gut, dass sich „Better Things“ oft weniger wie eine Geschichte als wie ein Erlebnis anfühlte – und wie eine Geschichte, zu der wir Woche für Woche, Staffel für Staffel leicht zurückkehren konnten, bis wir jede Facette verstanden hatten Adlons Alter Ego Sam Fox.

Als Lorne Michaels die Bühnenbesetzungen von Second City aus Chicago und Toronto für die Originalbesetzung von Saturday Night Live durchsuchte, dämmerte den Leuten, die die berühmte Improvisations-Comedy-Gruppe leiten, dass sie vielleicht ihre eigene Show machen und diese mit anderen Stars wie Second City füllen sollten John Candy, Eugene Levy, Catherine O'Hara, Joe Flaherty, Andrea Martin und Dave Thomas. SCTV basiert auf der Idee, dass alles, was wir sahen, vom kleinsten Fernsehsender der Welt ausgestrahlt wurde, sei es eine Talkshow mit Thomas und Rick Moranis als den kanadischen Stereotypen Bob und Doug McKenzie; Flaherty und Levy als lokale Nachrichtensprecher; oder Candy und Levy als die Polka spielenden Shmenge-Brüder. Mit der Zeit warb SNL mehrere SCTV-Stammgäste ab (vor allem Martin Short), und NBC nahm die Show (die in Kanada produziert und ausgestrahlt wurde) sogar für ein paar Jahre in sein Late-Night-Programm auf. Aber trotz der Herkunft des Namens waren die Skizzen erstklassig und ein großartiges Schaufenster für diese unglaubliche Besetzung.

Ein weiteres Chaos zwischen Kunst und Künstler. Dave Chappelles Vermächtnis wurde zweifellos durch sein Engagement für Hardcore-Transphobie in den letzten Jahren beeinträchtigt. Können wir uns immer noch an der Sketch-Comedy-Serie erfreuen, die er und Neal Brennan geschaffen haben, und an der Art und Weise, wie die Serie, die seinen Namen trägt, hysterische Parodien auf schwarze Prominente wie Rick James, Prince und Lil Jon mit differenzierteren, aber immer noch lustigen Ideen wie der Fälschung vermischt? Spielshow „I Know Black People“? Wie bei mehreren Serien auf dieser Liste (und solchen, die bei unseren Wählern nicht ganz Anklang fanden, wie „Louie“ und „The Cosby Show“) ist es vielleicht am besten, sich gern an das Erlebnis zu erinnern, die Serie damals gesehen zu haben, als zu versuchen, sie noch einmal zu besuchen und dass man direkter über den jetzt umstrittenen Mann im Mittelpunkt nachdenken muss.

John Cleese schloss seine Version des Larry-David-Deals mit HBO ab, lange bevor irgendjemand von dem Curb Your Enthusiasm-Star gehört hatte. Ein Jahr nach dem Ende von „Monty Pythons Flying Circus“ schufen Cleese und seine Frau (und Python-Tierärztin) Connie Booth „Fawlty Towers“, eine Sitcom über ein kleines englisches Hotel, das von Cleese in der Rolle des arroganten, leicht beleidigten, größtenteils idiotischen Basil Fawlty geführt wird. Sie produzierten sechs absolut perfekte Episoden – die berühmteste davon, in der Basil sich nicht davon abhalten kann, den Zweiten Weltkrieg anzusprechen, als er und seine Frau Sybil (Prunella Scales) Gastgeber einer Gruppe deutscher Gäste sind – und dann einfach … aufgehört haben. Und dann, vier Jahre später, hatten sie die Inspiration für weitere sechs, die waren auch großartig, und dann hörten sie wieder auf, dieses Mal scheinbar für immer. Aber wenn man bedenkt, wie viel von der modernen Komödie – insbesondere von der Art, bei der man erschaudert, als würde man sich einen Horrorfilm anschauen – dieser Show zu verdanken ist, sollte man nicht mit der Möglichkeit rechnen, dass Basil Fawlty irgendwann bald eine verspätete, unangenehme Rückkehr feiert.

Wir könnten versuchen, diese Polizeisendung das fehlende Bindeglied zwischen den unkomplizierten Gut-gegen-Böse-Dramen zu nennen, die für den Großteil des Fernsehens des 20. Jahrhunderts typisch waren, und den moralisch mehrdeutigen Serien, die das Medium im 21. Jahrhundert prägen sollten. Aber das könnte darauf hindeuten, dass jeder Fernsehzuschauer auf der Welt NYPD Blue verpasst hat, dessen Verwendung einer anschaulicheren Sprache und Nacktheit dazu beigetragen hat, dass der Film von Anfang an eine kontroverse und unglaublich beliebte Sensation war. Und in Dennis Franz‘ brutalem, bigottem, alkoholkrankem und letztendlich geliebtem Detektiv Andy Sipowicz hatte die Serie eine ikonische Figur, die dazu beitrug, die Zuschauer auf Schauspieler wie Tony Soprano und Walter White vorzubereiten. Vor allem aber war „NYPD Blue“ ein großartiger Polizeiprozederefilm voller geschickt profaner Dialoge, einprägsamer Persönlichkeiten auf beiden Seiten des Gesetzes (insbesondere in den Jahren, als Sipowicz mit Jimmy Smits‘ entspanntem und gefühlvollem Bobby Simone zusammenarbeitete) und a spürbares Verständnis für das Trauma, das Gewalt allen Menschen zufügt, die ihr ausgesetzt sind.

Die ersten drei Staffeln der Daily Show parodierten hauptsächlich den Unsinn lokaler Fernsehnachrichtensendungen. Als Jon Stewart die Nachfolge von Craig Kilborn als Gastgeber antrat, weitete sich der Fokus schnell auf eine nationale und dann auf eine internationale Ebene aus. Der Ton änderte sich unterdessen allmählich zu einem Ton, der nicht mehr sanfte Satire, sondern gerechtfertigte Empörung über die schrecklichen Dinge war, die die Politiker unseres Landes taten und sagten, und über die noch schrecklichere Art und Weise, wie der traditionelle Nachrichtenmedienapparat so oft darüber berichtete. Es gab immer noch viel Raum für Possen von Korrespondenten aus der Reihe der Mörder wie Stephen Colbert, Samantha Bee und John Oliver – die schließlich alle dazu übergingen, ihre eigenen großartigen Variationen des Konzepts zu moderieren. Aber die Stewart-Inkarnation als Ganzes entwickelte einen so starken Ruf, den Mächtigen die Wahrheit zu sagen, dass Umfragen zu dieser Zeit darauf hindeuteten, dass jüngere Zuschauer eher über diese Fake-News-Show über aktuelle Ereignisse auf dem Laufenden blieben als über den echten Artikel.

Einige Zuschauer sahen in dieser von Lena Dunham kreierten Serie einen scharfen, oft lustigen, oft ergreifenden Blick auf eine Gruppe junger Frauen in einem prekären Moment ihres Lebens. Andere betrachteten das Ganze als einen gewaltigen Troll, der sie mit der Kurzsichtigkeit von Charakteren wie Dunhams Möchtegern-Autorin Hannah, Allison Williams‘ narzisstischer Marnie, Jemima Kirkes freigeistiger Jessa und Zosia Mamets eifriger Shoshanna wütend machen soll. Unsere Wähler vertraten offensichtlich die erstere Ansicht und erkannten, dass Girls verstanden, wie oft sich die Mitglieder dieses Quartetts lächerlich machten, auch wenn es sie und ihre Kämpfe mit großem Einfühlungsvermögen darstellte. (Obwohl die Serie ihre eigenen blinden Flecken hatte, vor allem, weil sie eine weitere Geschichte über ein praktisch ausschließlich weißes New York ist.) Mädchen waren auch der Startschuss für Adam Drivers Karriere, und er war wunderbar als Hannahs launenhafter, immer mal wieder auftretender Freund Adam . Aber um „Girls“ zu lieben, musste man die Titelcharaktere lieben. Und das haben wir getan, egal wie wütend sie werden konnten.

Seit Bea Arthur, Betty White, Rue McClanahan und Estelle Getty zum ersten Mal ein Quartett älterer Frauen spielten, die ihre goldenen Jahre in Miami genossen, sind Sitcom-Darsteller im Durchschnitt deutlich jünger geworden. Viele Fernsehmanager werden Ihnen bestätigen, dass die Theorie darin besteht, dass jüngere Zuschauer (die wertvollste Währung im Fernsehgeschäft) lieber Charaktere sehen, die näher an ihrem Alter sind. Doch wenn man fast jedes Kind und jeden Teenager der Achtzigerjahre nach den „Golden Girls“ fragt, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass in seinen Gesichtern Erinnerungen an die Beleidigung ihrer Mitbewohner durch Sophia von Getty, an Whites Rose, die eine weitere surreale Geschichte aus ihrem Elternhaus in St. Olaf, Minnesota, erzählt, und an McClanahans Blanche-Vampirerei aufleuchten Es bereitet sich auf eine weitere sexuelle Eroberung vor, oder Arthurs Dorothy zerstört einen Gegner mit nur einem vernichtenden Blick und einer leichten Änderung im Tonfall. Wenn Hauptdarsteller so lustig und sympathisch sind wie diese Gruppe, ist das Alter nicht nur eine Zahl.

Jahrzehnte bevor YouTube- und TikTok-Stars Entwicklungsverträge erhielten, wurden Trey Parker und Matt Stone von einem Hollywood-Manager mit der Produktion einer profanen animierten Weihnachtskarte beauftragt. Das Endergebnis, bei dem Jesus gegen den Weihnachtsmann antrat, verbreitete sich Mitte der Neunziger so schnell wie möglich, und bald begannen die Charaktere aus dem Kurzfilm – insbesondere die Grundschüler Stan, Kyle, Cartman und Kenny aus Colorado – in ihrer eigenen Hauptsendezeit die Hauptrollen zu spielen Kabelshow. Ein Vierteljahrhundert später erzählen Parker und Stone immer noch respektlose South Park-Geschichten. Noch mehr als die Simpsons oder Beavis und Butt-Head wurde South Park von seinen Kritikern lange Zeit als die Serie angesehen, die das Ende der Zivilisation, wie wir sie kennen, herbeiführen würde. Fairerweise muss man sagen, dass es der Gesellschaft heutzutage nicht so gut geht, obwohl es immer noch lebhafte Debatten darüber gibt, wie viel Schuld den Männern mittleren Alters zuzuschreiben ist, die aufgewachsen sind und dabei zusehen mussten, wie Kenny jede Woche brutal ermordet wurde. Da sich der Animationsprozess der Serie jedoch vom ursprünglichen Stop-Motion-Konstruktionspapier-Ansatz der allerersten Folge (natürlich mit dem Titel „Cartman bekommt eine Analsonde“) weiterentwickelt hat, kann „South Park“ nun so schnell zusammengebaut werden, dass Parker und Stone kann sich praktisch innerhalb weniger Stunden nach seinem Eintreten über jedes aktuelle Ereignis lustig machen.

Das nachhaltigste Bild der ersten großen Arbeitsplatz-Sitcom im Fernsehen zeigt ihren Helden, den Varieté-Autor Rob Petrie (Dick Van Dyke), der über seinen Wohnzimmerhocker stolpert, nachdem er von einem langen Tag im Büro nach Hause gekommen ist. Nach einer Weile begann die Serie jedoch, Robs Stolpern mit einer Version abzuwechseln, in der er der Katastrophe geschickt aus dem Weg ging. Während den Zuschauern die Chance verwehrt blieb, Van Dykes Gespür für Slapstick zu Beginn jeder einzelnen Episode zu sehen, entsprach die alternative Version in gewisser Weise dem Geist einer der anmutigsten Serien überhaupt. Van Dyke und die junge Mary Tyler Moore (als Robs verehrende und bezaubernde Frau Laura) waren beide begabte Komiker, aber sie strahlten auch einen Hauch von kühler Eleganz aus, der so stark war, dass Zuschauer und Kritiker sie mit John und Jackie Kennedy verglichen, die in die USA einzogen Ungefähr zur gleichen Zeit, als wir die Petries zum ersten Mal trafen, trafen wir im Weißen Haus ein. Kombinieren Sie die beiden mit den alten Profis Rose Marie und Morey Amsterdam und füttern Sie alle vier mit den besten Witzen, die der großartige Carl Reiner (der Rob nach seinen eigenen Erfahrungen bei der Arbeit mit dem Varieté-Star Sid Caesar aus den Fünfzigern modellierte) ihnen und Ihnen geben konnte hatte einen sofortigen, scheinbar mühelosen Klassiker.

Die Miniserie über Sklaverei von Barry Jenkins ist die größte technische Errungenschaft in der Geschichte des Fernsehens. Und bei allem Respekt vor „Game of Thrones“, der neuen „Herr der Ringe“-Serie oder anderen aktuellen Großserien des Mediums, ist es kein besonders enger Wettbewerb. Jenkins und Mitarbeiter wie der Kameramann James Laxton sorgen dafür, dass jedes Bild atemberaubend und malerisch im Detail ist, egal wie schrecklich (ein Sklave wird ausgepeitscht, ein Haus wird mit Menschen darin niedergebrannt) oder wunderschön (die titelgebende Eisenbahn ist eine echte Eisenbahnlinie, eine Anlehnung an die Prämisse des magischen Realismus in Colson Whiteheads Roman) sind die einzelnen Bilder. Keine Show hat jemals so viel Mühe und Können in die Tongestaltung gesteckt, so dass der Zuschauer das Gefühl hat, mit der entflohenen Sklavin Cora (Thuso Mbedu) in der heißen Sonne zu stehen, umgeben von zwitschernden Insekten. Und im Übrigen haben nur wenige Regisseure so nackte und lebendige Darbietungen hervorgebracht wie Mbedu, Joel Edgerton (als rücksichtsloser Sklavenfänger) und William Jackson Harper (als freier Schwarzer, der versucht, Cora dazu zu bringen, die Möglichkeit zu akzeptieren). gut in dieser Welt), und andere liefern hier. Ein Knockout für alle Sinne und für das Herz.

Heute bestaunen wir Komödien wie „Better Things“ oder „Reservation Dogs“, die in der Lage sind, sich von einer Episode zur nächsten radikal zu verändern. Taxi machte das schon vor über 40 Jahren, nur war es nicht annähernd so offenkundig, weil es in einem traditionellen Sitcom-Format mit häufigen Pointen und lautem Gelächter des Publikums lief. Aber innerhalb dieser Struktur – und innerhalb der scheinbar begrenzten Umgebung einer Taxifirma in Manhattan, wo die meisten Fahrer (außer Judd Hirschs praktischem Alex) von besseren Jobs träumen – könnte Taxi eine ganze Menge erreichen. Der Film könnte breit gefächert sein und an der Grenze zum Surrealen enden, da er sich an Charakteren wie Christopher Lloyds Hippie-Weltraumfall Jim Ignatowski oder Andy Kaufmans munterem Einwanderer-Mechaniker Latka orientiert. Es könnte roh und klein ausfallen, wie eine Episode, in der der kleine, aber grausame Disponent Louie DePalma (Danny DeVito) über seinen demütigenden jährlichen Ausflug zum Kauf von Anzügen in der Husky-Boys-Abteilung des Kaufhauses spricht. Und manchmal konnte es beides gleichzeitig tun, wie ein trauernder Jim, der dem leeren Anzug seines verstorbenen Vaters die Dinge erzählt, die er während ihrer langen Entfremdung nie sagen konnte. Obwohl es den Taxifahrern selten gelang, ihre Träume zu verwirklichen, konnte Taxi fast alles tun, was es sich vornahm.

„Key & Peele“ erregte zunächst Aufmerksamkeit, da es sich um eine Sketchkomödie handelte, in der die gemischtrassigen Komiker Keegan-Michael Key und Jordan Peele die manchmal verwirrenden Grenzen zwischen dem schwarzen und dem weißen Amerika bis spät in die erste Amtszeit unseres Landes erforschten erster gemischtrassiger Präsident. Und in einer frühen Signaturrolle spielte Peele den unerschütterlichen Barack Obama, während Key als POTUS‘ „Zornübersetzer“ Luther hinter ihm lauerte. Doch schon bald wurde Key & Peele für sein leidenschaftliches Engagement in jeder Hinsicht bekannt. Ihre Actionfilmparodien hatten eine verblüffende Ähnlichkeit mit der Realität, und scheinbar leichte Ideen wie „Family Matters“-Schauspieler Reginald VelJohnson, der sich darüber beschwerte, dass die Show von Steve Urkel übernommen wurde, nahmen unglaublich düstere Wendungen. Im Nachhinein ist es nicht schwer zu erkennen, wie Peele von dieser Serie den Sprung zum berühmtesten Horrorfilmregisseur Amerikas schaffte. Aber er und Key waren eine Zeit lang ein wunderbares Paar.

Die meisten der angesehenen Kabeldramen der frühen 2000er Jahre nutzten bekannte, actiongeladene Fernsehgenres (Gangster, Polizisten, Cowboys usw.) als trojanische Pferde, um anspruchsvollere Kommentare über das moderne Leben einzuschleusen. Die Anomalie war Six Feet Under, dessen Handlung um den unscheinbaren Ort herum aufgebaut war, an dem viele dieser anderen Arten von Charakteren landen würden: ein Bestattungsunternehmen, das von der unterdrückten, dysfunktionalen Fisher-Familie geführt wird. Alan Balls Serie beginnt mit dem Tod des Patriarchen Nathaniel Fisher Sr. (Richard Jenkins, der in Geistergestalt blieb) und untersucht den Kampf seiner Witwe Ruth (Frances Conroy) und seiner Kinder Nate (Peter Krause), David (Michael C. Hall). ) und Claire (Lauren Ambrose) hatten nicht nur mit Nathaniels Tod zu kämpfen, sondern auch mit dem unausweichlichen Wissen, dass ihr eigener eines Tages kommen würde. Das Fehlen eines traditionellen TV-„Franchises“, um die Geschichten voranzutreiben, führte dazu, dass „Six Feet“ uneinheitlicher war als seine Mitbewerber, aber seine Höhepunkte – insbesondere die ikonische Schlusssequenz zu Sias „Breathe Me“, die die Prämisse der Serie auf den Punkt bringt Fazit – waren außergewöhnlich.

Zeitreise! Was für ein hohes Konzept! In der ersten Staffel dieser kühnen Science-Fiction-Komödie stirbt die Softwaredesignerin Nadia (Natasha Lyonne, die an der Seite von Peter Falk den besten Columbo spielt) immer wieder gewaltsam, um dann auf der Party zu ihrem 36. Geburtstag im Badezimmer wieder aufzutauchen. Im zweiten Teil erleben sie und ihr verklemmter Freund Alan (Charlie Barnett) einen Quantensprung in die Vergangenheit, um das Leben als Mitglieder ihrer Stammbäume zu erleben. In beiden Staffeln gelang es Lyonne (die die Show zusammen mit Amy Poehler und Leslye Headland kreierte) enormen Spaß daran zu haben, wie weit die einzelnen Ideen gehen konnten, und nutzte diese realitätsverzerrenden Abenteuer gleichzeitig, um Nadias Unfähigkeit, sie zu verändern, zu untersuchen eigenes beschissenes Leben. Mehr Bitte.

In der ersten Folge dieser Ensemble-Komödie geht es um eine Gruppe seltsamer Community-College-Studenten – den ausgeschlossenen Anwalt Jeff (Joel McHale), die prätentiöse Britta (Gillian Jacobs), den von der Popkultur besessenen Abed (Danny Pudi), den albernen Ex-Jock Troy (Donald Glover). , die Überfliegerin Annie (Alison Brie), die mütterliche Shirley (Yvette Nicole Brown) und der unerträgliche Boomer Pierce (Chevy Chase) – und werden wahrscheinlich Freunde. In der letzten Folge stellen sich die verbleibenden Mitglieder dieser Gruppe verschiedene Szenarien vor, wie eine siebte Staffel von „Community“ aussehen würde – von der alle, und nicht nur Abed, in gewisser Weise akzeptiert zu haben scheinen, dass es sich um die TV-Show handelt, in der sie Charaktere sind . Während Dan Harmons Schöpfung sich allmählich von diesem relativ vernünftigen Anfang zu diesem Meta-Abschluss entwickelte, gelang es ihm, tadellose Film- und Fernsehparodien (vor allem die Paintball-Episoden im Actionfilm-Stil) in die Plackerei des Lebens am Greendale Community College zu schmuggeln, und zwar behandelte die Mitglieder der Studiengruppe als Menschen, selbst inmitten dieses selbstbewussten Wahnsinns. Es war etwas Besonderes.

„Computer sind nicht das Ding; sie sind das Ding, das einen zum Ding bringt“, erklärt der Verkäufer Joe McMillan (Lee Pace) zu Beginn dieses Tech-World-Dramas. Im Fall dieser Show waren der launenhafte und mysteriöse Joe und sein gekränkter Partner Gordon (Scoot McNairy) die erste Art: männliche Antihelden, wie sie in den Jahren vor ihrer Einführung bis zum Klischee alltäglich geworden waren . Aber dann fand Halt heraus, wie er Joe und Gordon zu dem machen konnte, was uns zu der Sache brachte: der Geschichte, wie Joes Ex-Freundin Cameron (Mackenzie Davis) und Gordons Frau Donna (Kerry Bishé) sich schließlich zusammentun würden, um Teil davon zu sein die Geburt des Internets. Die Männer verschwanden nicht wirklich, und Pace und McNairy waren durchweg großartig, aber die Verlagerung des Blickwinkels hin zu den Frauen, die diese Art von Shows im Allgemeinen ignorierte, entfaltete das volle Potenzial der Serie und sorgte dafür, dass sie sich nicht wie ein Mad-Men-Klon anfühlte, der in den Achtzigern spielt und Neunzigerjahre, sondern ein eigenes wunderbares Werk.

Medizin gehört seit langem zur heiligen Dreifaltigkeit der Fernsehberufe, zusammen mit der Polizeiarbeit (ob heute oder im Wilden Westen) und dem Anwalt. Doch von all den großartigen Arztsendungen, die das Medium gesehen hat – St. Elsewhere, House, Scrubs und Grey’s Anatomy, um nur einige zu nennen – war dieser Moloch aus der Mitte der Neunziger die einzige, die es auf unsere Liste geschafft hat. ER wurde von Michael Crichton kreiert und von John Wells produziert und kombinierte die Struktur eines Krankenhausdramas mit dem Tempo und Adrenalin eines Actionfilms. Es vermittelte gekonnt das Chaos, die Triumphe, die Tragödie und sogar die Komödie des Lebens in einer Notaufnahme. Es machte George Clooney als regelwidrigen Kinderarzt Doug Ross zum Superstar und hatte im Laufe von 15 Staffeln auch eine ganz besondere Besetzung um ihn herum, zu der Julianna Margulies, Anthony Edwards, Noah Wyle, Eriq La Salle und viele mehr gehörten. Wir müssen intubieren! STAT!

Gegen Ende des Mockumentary-Meisterwerks von Ricky Gervais und Stephen Merchant philosophiert Tim (Martin Freeman): „Die Leute, mit denen du arbeitest, sind nur Leute, mit denen du zusammengewürfelt wurdest. Weißt du, du kennst sie nicht, es war nicht deins.“ Wahl. Und doch verbringst du mehr Zeit mit ihnen als mit deinen Freunden oder deiner Familie. Aber wahrscheinlich ist eure einzige Gemeinsamkeit die Tatsache, dass ihr acht Stunden am Tag auf demselben Teppichstück herumlauft.“ Letztendlich verbrachten die Zuschauer insgesamt etwas weniger als acht Stunden mit Tim, seiner Schwärmerei Dawn (Lucy Davis), dem abstoßenden Gareth (Mackenzie Crook) und vor allem ihrem schrecklichen Chef David Brent (Gervais). Doch das Schreiben, der Aufbau der Welt und die Aufführungen gaben uns das Gefühl, als wären wir jahrelang mit ihnen auf demselben Teppich gefangen gewesen. Eine der prägenden Comedyserien des 21. Jahrhunderts, ohne die mehrere andere auf dieser Liste nicht existieren würden – und nicht nur das amerikanische Remake. Und wenn Davids selbstverherrlichende Eskapaden zuweilen schmerzhaft anzusehen sind, so hat sich Gervais und Merchants unerschütterliches Engagement, die Qualen der Plackerei am Arbeitsplatz darzustellen, im Weihnachtsspecial zum Abschluss der Serie wunderbar ausgezahlt.

In dieser düsteren, eindringlichen Komödie spielt SNL-Absolvent Bill Hader einen Killer, der stolpernd in einen Schauspielkurs stolpert und herausfindet, dass er lieber auf der Bühne tötet, als es mit Kugeln zu tun. Die Prämisse hätte leicht zu einer One-Joke-Show über die verschwommene Grenze zwischen den beiden rücksichtslosen Berufen werden können. Stattdessen nahm Barry den Wunsch seiner Titelfigur nach einer beruflichen Veränderung – und die Konsequenzen, die sich daraus ergeben, dass ein emotional zurückgebliebener Mann seine Gefühle erforschen muss, als Teil der Schauspielmethode, die der selbstverherrlichende Gene Cousineau (Henry Winkler) lehrt – sehr ernst. Infolgedessen kann „Barry“ sowohl die lustigste Show im Fernsehen (insbesondere wenn Anthony Carrigan als fröhlicher tschetschenischer Gangster NoHo Hank dabei ist) als auch die tragischste sein, oft nur wenige Takte voneinander entfernt.

In dem feuchten Kellerbüro, in das das FBI ihn verbannt hat, weil er zu viele Berichte über Außerirdische und Monster eingereicht hat, hängt Fox Mulder (David Duchovny) ein Poster mit dem Bild einer fliegenden Untertasse und dem Slogan „I Want to Believe“. Lange Zeit versuchte Chris Carter in seiner aufregenden Science-Fiction-Prozedur, die Dinge in die Mitte zu spielen, so dass Mulders skeptische Partnerin Dana Scully (Gillian Anderson) seine Verschwörungstheorien völlig vernünftig zurückweisen konnte. Aber Fans von „Akte Die Show machte die Idee einer Serie mit einer „Mythologie“ und einer fortlaufenden fortlaufenden Geschichte populär, die man sich von Anfang an ansehen musste, um sie zu verstehen. Aber die meisten Episoden folgten dem „Monster der Woche“-Format, und es sind diejenigen, die sich all die Jahre später am besten behauptet haben, insbesondere nachdem so viele spätere Serien so schlechte Arbeit geleistet haben, als sie versuchten, ihre eigenen X-Akten zu erstellen. Stilmythologie.